Óscar Santis
Explorando posibilidades sonoras
a través del ruido
Óscar Santis es escultor, pintor y músico ruidista chileno, quien ha participado en proyectos de música electrónica experimental e improvisación libre. Sus tres actividades artísticas las conceptualiza y desarrolla en forma independiente.
Óscar explora permanentemente las posibilidades sonoras del ruido, el glitch, las interferencias, el vacío y el silencio. Para ello utiliza elementos análogos como la mbira bajo, pedales, mezclador y procesos digitales por computador.
En relación a su música Santis comenta: …”estoy en un momento en el que tengo acotadas las herramientas a la materia sonora que quiero trabajar. Así existe un balance preciso entre las herramientas análogas y digitales en el que puedo tomar esta relación como un sólo instrumento”.
En los períodos caóticos que vivimos, Óscar Santis se siente cómodo porque es cuando – en el plano musical – surge ése ruido extraño e irrumpidor del feedback que emerge de la improvisación y también del trabajo sostenido en la sala de ensayo, con sus herramientas digital y analógicas. El rechinar de dientes de algunos de los ruidos que produce Santis, es la expresión que el sonido va tomando forma y fondo. Que se sostiene por sí solo, con sus matices y texturas que logra enhebrar. Con el espacio que está interviniendo con su música y por cierto, con la percepción del oyente más exigente.
Me llama la atención que en la música de ruido y experimental que tú haces, haya espacio para investigar el vacío y el silencio. Creo que en tu participación en la “Jornada de Ruido IV» que se realizó el 29 de octubre pasado, en el Espacio Manzano en Valparaíso, tuviste algunos momentos de vacío y de silencio. ¿Podrías explicar por favor esto del vacío y el silencio?
“El vacío es la ausencia de materia en la escultura, al igual que el negro es la ausencia de luz en la pintura.
En un concierto el silencio es una referencia, ya que el ambiente no deja de sonar. Así se puede ir estableciendo un diálogo con los sonidos del lugar y las personas, ya que aparecen como una sorpresa en cada bloque de silencio. Internamente uno se encuentra en la tensión de ir midiendo los tiempos de silencio en relación a la última frase que sonó y de acuerdo al tamaño y forma de éste, se puede ir hacia la siguiente.
La luz deja una huella en nuestra retina, algo similar sucede con la percepción del sonido y la memoria. Eso sucede porque percibimos las cosas por sus cambios y diferencias. Trabajar con el silencio es dejar que el espacio se vuelva parte de una obra sonora”.
En la descripción de tu disco “Tercer Vértice”, publicado en octubre de 2019, en Pueblo Nuevo Netlabel, señalas: “… más volumen pide más volumen. Los timbres se pueden saborear, la textura se siente entre los dientes”. ¿Se podría decir que este estado de alto volumen e intensidad es el de mayor lucidez?
«El texto que citas corresponde a la reseña que hizo el músico argentino Sam Nacht, la que considero bastante acertada en lo positivo y en las críticas. Tiene mucha relación con la concepción de ese trabajo.
Se grabó en su mayoría utilizando acoples producidos por un mixer, pedales de efectos, los parlantes, micrófonos y una soundbox. El uso de la síntesis del computador fue mínimo. Esto se hizo con un volumen muy alto, de manera que tocar y escuchar tuviera un componente más físico. Ese es el estado de lucidez del que hablas y éste al estar compuesto por estímulos intensos en un rango dinámico amplio, se muestra como una referencia a la percepción del sonido. ‘Tercer Vértice’ está hecho para ser escuchado con el volumen al máximo”.
Me impresiona cómo puede llegar a sonar el mbira bajo, cuando lo intervienes. Puede sonar desde un contrabajo a un riff de guitarra distorsionada. ¿Qué nos puedes decir de las posibilidades sonoras que tienen los elementos análogos y los procesos digitales que utilizas?
“Lo del mbira bajo lo tomé de una idea que me dio Derek Holzer en un taller que dictó llamado ‘soundboxes’. Esto fue hace ya algunos años en la Hospedería del Errante, en la Ciudad Abierta (Ritoque, Valparaíso, Chile). Recuerdo que tomó una pieza larga y delgada de acero inoxidable, le puso un micrófono de contacto y la pulsó como si fuera parte de una calimba. El sonido era muy profundo y potente, así que un tiempo después encontré unas piezas parecidas y las monté en un soporte de madera, usando un micrófono de contacto para controlar la frecuencia que emite el metal al vibrar. El pedal de efecto que más utilizo es la distorsión, al pasar la señal por una serie de ellos el resultado es brutal ya que tiene mucho peso y mucha carga armónica.
Las herramientas análogas y digitales desde el aspecto puramente tímbrico tienen posibilidades distintas. Son dos formas de generar sonidos, cuyas señales se modulan y articulan de manera simultánea.
En el caso específico de cómo me enfrento a la música, estoy en un momento en el que tengo acotadas las herramientas a la materia sonora que quiero trabajar. Así existe un balance preciso entre las herramientas análogas y digitales en el que puedo tomar esta relación como un sólo instrumento”.
Tú eres escultor y pintor, además de músico ruidista. ¿Tienen alguna conexión estas disciplinas artísticas con tu música, o se desarrollan por carriles independientes?
“La escultura y la pintura están formalmente más relacionadas ya que en ambas parto desde el dibujo, que es en dónde están las ideas básicas y germinales que pueden encarnarse en una obra. Ver la conexión entre el trabajo visual y el musical ha sido un tema que me han preguntado bastante, más de lo que me he pregunto yo. Estoy en un período de trabajo y no me da la cabeza para teorizar acerca de lo que hago. Eso puede ser un problema ahora, ya que la mayoría de la gente necesita una explicación acerca de lo que ve y escucha y por otro lado hay una necesidad desmedida de fundamentar todo lo que se hace.
En el último tiempo y viendo las cosas con un poco de distancia, me he dado cuenta que hay una relación a nivel de conceptos y en el modo de enfrentar la materia, más que en asuntos formales explícitos.
Ahora se están comenzando a relacionar más los caminos de la escultura, la pintura y la música. Esto no significa que estoy pensando en obras mixtas como línea de trabajo principal. Después de un largo tiempo de actividad ya puedo trabajar tres campos espaciales distintos de manera independiente”.
Tienes varios discos editados en Pueblo Nuevo, Amencoma, Biodata, Horribleregistro, entre otros sellos, además de participar en compilaciones y proyectos colaborativos. De hecho tienes el álbum split “Generadores Simultáneos” con el ruidista argentino Pablo Reche. ¿Qué destacarías de este disco publicado en la etiqueta chilena 001records?
“Primero, es que es un trabajo colaborativo entre varias personas, que como proceso, va más allá de la publicación de la música.
Las conversaciones con Claudio Pérez (gestiona 001records y músico de Usted No) y Pablo Reche partieron antes de grabar. ‘Generadores Simultáneos’ es una propuesta con una sonoridad distinta a lo que se había publicado anteriormente en el sello, lo que le da al catálogo un espectro más variado.
Por mi parte hice los temas para el disco teniendo como referencia el trabajo de Pablo que conocía hasta ese momento.
Comencé a escuchar su trabajo en el 2004, ya que en Febrero de ese año coincidimos en el Festival Patagónica, organizado por Rodrigo Planella y su equipo en Coyhaique (Chile), evento en el que también participó Claudio. Pablo no pudo tocar esa vez por razones técnicas, así que posteriormente, por curiosidad, me puse a buscar en las redes lo que estaba disponible en esa época.
Ya en el 2017 tuve la suerte de compartir cartel con Mika Martini, Luis Marte, Johannes Haase y él. Ahí pude conocer mejor lo que estaba haciendo. El primero de esos conciertos salió el registro en directo llamado ‘Exploradores del Sonido’ que fue editado por el sello griego Plus Timbre en 2021.
Mi aporte para ‘Generadores Simultáneos’ lo hice pensando en qué tipo de diálogo se podría dar entre las concepciones sonoras de cada uno. Una vez que entregamos el material, Claudio Pérez definió el orden de los temas, combinando la quietud de la música de Pablo con la estridencia que puse yo. Junto con esto diseñó la gráfica del disco y Luis Marte hizo los videos que forman parte de esta producción”.
Cuál es tu opinión sobre la improvisación libre y la composición más estructurada? ¿Qué elementos entran en juego en uno y otro caso?
“Me muevo en ambos campos. No parto improvisando desde cero en los conciertos o cuando grabo un tema. Hay ideas y estructuras que se generan en los ensayos, las que van tomando vida propia y pasan a ser elementos o partes que se combinan en distintas estructuras sonoras. Con este proceso sucede algo parecido a la relación entre los dibujos con las pinturas y esculturas. Con la particularidad que generalmente no hago un registro de los ensayos. Aquí la memoria juega un papel muy importante».
Cuéntanos acerca de la escena de ruido / experimental en la Quinta Región. ¿Qué colectivos o agrupaciones participan? ¿Qué proyecciones le ves a esta escena?
“En este momento el Gran Valparaíso es la zona más importante de generación de música experimental en Chile y probablemente en Sudamérica. Esto corresponde a una tradición de vanguardia que viene de la ciudad puerto desde principios del siglo pasado y que en una época caótica como la que estamos viviendo, está cristalizando en variadas formas.
Hay mucha gente haciendo música, organizando conciertos y festivales, además de editar nuevas producciones. Entre ellos te puedo nombrar a: Ratasordarec, Chercán Radio, Homeles-LoFi, Sello Modular, Eunk, Festival Acéfalo, Tsonami, Sonec, la Galería Isabel Rosas, el Taller de Teknología Libre, el Laboratorio de Arte Sonoro y muchos colectivos que probablemente se me están quedando fuera de la lista. Me imagino que debe haber otros proyectos funcionando de manera subterránea, sostenidos por gente más joven.
A todo esto hay que sumar la difusión que hace la Radio Valentín Letelier (con base en Valparaíso, Chile), que ha sido un punto de encuentro para los creadores locales durante las últimas dos décadas”.
¿Cuáles son tus próximos pasos en tu música?
“Lo primero es seguir estudiando la síntesis del sonido y ojalá, tocar lo más posible y con la mayor variedad de gente.
Hay una grabación pandémica que hicimos con Ignacio Morales (músico ruidista, también conocido como Leonardo Ahumada y miembro de El Banco Mundial, Ensamble Majamama, Guorl Miusic, Midiset, Nawito Dúo) que está en proceso de guarda y maduración. Probablemente saldrá a la luz pronto.
A mediados del 2023 voy a comenzar a grabar un nuevo trabajo, con la mayor tranquilidad posible y sin preocuparme por dónde, cuándo o cómo lo voy a publicar.
Lo que te acabo de decir tiene que ver con planes de acción concretos y acotados.
Si hablamos de los pasos en particular, tendríamos que volver a tocar los temas del dibujo y los ensayos, que son los momentos de mayor caos e incertidumbre, donde realmente aparecen las cosas nuevas”.
Óscar Santis is a Chilean sculptor, painter and noise musician, who has participated in experimental electronic music and free improvisation projects. He conceptualizes and develops his three artistic activities independently.
Óscar permanently explores the sound possibilities of noise, glitch, interference, emptiness and silence. He uses analog elements such as the mbira bass, pedals, mixer and digital processes by computer.
Regarding his music, Santis argues, …”I am in a moment in which I have limited the tools to the sound material that I want to work on. So there is a precise balance between analog and digital tools in which I can take this relationship as a single instrument.”
In the chaotic times we live in, Óscar Santis feels comfortable because it is when – on a musical level – that strange and disruptive feedback noise that comes out, unfolds from improvisation and the sustained work in the rehearsal room with his digital and analog devices. The teeth grinding of some of the noises that Santis produces, is the expression that the sound is taking shape and depth. That stands on its own, with its nuances and textures that it manages to thread. With the space that is intervening with his music, and with the perception of the most demanding listener.
It strikes me that in the noise and experimental music that you make, there is space to investigate the void and silence. I think that in your participation in the «Noise Day IV» that took place on October 29th, in the Espacio Manzano in Valparaíso, you had some moments of void and silence. Could you please explain this void and silence?
“The void is the absence of matter in sculpture, just as black is the absence of light in painting.
In a concert, silence is a reference, since the environment does not stop sounding. Thus, a dialogue can be established with the sounds of the place and the people, since they appear as a surprise in each block of silence. Internally I’m in tension of measuring the times of silence in relation to the last sentence that was sounded and according to its size and shape, I can go to the next one.
Light leaves a mark on our retina, something similar happens with the perception of sound and memory. That happens because we perceive things by their changes and differences. Working with silence is letting the space become part of a sound work.”
In the description of your album ‘Tercer Vértice’, published in October 2019, on Pueblo Nuevo Netlabel, you note: ‘… more volume calls for more volume. You can savor the timbres, feel the texture between your teeth.’ Could it be said that this state of high volume and intensity is the most lucid one?
“The quote you mentioned corresponds to the review made by the Argentine musician Sam Nacht, which I consider to be quite accurate both positively and critically. It has a lot to do with the conception of that work.
It was recorded mostly using feedback produced by a mixer, pedals effects, speakers, microphones, and a soundbox. The use of computer synthesis was minimal. This was done at a very high volume, so that playing and listening had a more physical component. That is the state of lucidity you are talking about, and since it is composed of intense stimuli in a wide dynamic range, it appears as a reference to the perception of sound. ‘Tercer Vértice’ is made to be heard with the volume turned up.”
I’m impressed how the bass mbira can sound when you play it. It can sound as a double bass or a distorted guitar riff. What can you tell us about the sound possibilities offered by analog elements and the digital processes you use?
“I took the bass mbira from an idea that Derek Holzer gave me in a workshop he dictated called ‘soundboxes.’ This was a few years ago at the Hospedería del Errante, in ‘La Ciudad Abierta’ (Ritoque, Valparaíso, Chile). I remember that it took a long and thin piece made of stainless steel, he put a contact microphone on it and played it like it was part of a calimba. The sound was very deep and powerful, so some time later I found similar pieces and mounted them on a wooden stand, using a contact microphone to control the frequency the metal emits as it vibrates. The pedal effect that I use the most is distortion and when the signal passes through a series of them the result is amazing, since it has a lot of weight and a lot of harmonic loads.
Analog and digital tools from the purely timbral aspect have different possibilities. They are two ways of generating sounds, whose signals are modulated and articulated simultaneously.
In the specific case of how I face music, I am in a moment in which I have limited the tools to the sound material that I want to work on. So, there is a precise balance between analog and digital tools in which I can take this relationship as a single instrument.”
You are sculptor and painter, as well as a noise musician. Do these artistic disciplines have any connection with your music, or do they develop in separate ways?
“Sculpture and painting are formally more related since in both I start from drawing, which is where the basic and germinal ideas that can be embodied in a work. Seeing the connection between visual and musical work has been an issue which I’ve been asked a lot, more than I’ve wondered. I’m in a period of work and I don’t have the head to theorize about what I do. That can be a problem now, since most people need an explanation about what they see and hear and on the other hand, there is an excessive need to base everything that is done.
In recent times, and seeing things from a distance, I have realized that there is a relationship at the level of concepts and in the way of dealing with the matter, more than in explicit formal matters.
Now the paths of sculpture, painting and music are beginning to be more closely related. This does not mean that I am considering mixed works as my main line of work. After a long period of activity I can already work three different spatial fields independently.”
You have several albums released on Pueblo Nuevo, Amencoma, Biodata, Horribleregistro, among other imprints, in addition to participating in compilations and collaborative projects. In fact, you have the split album “Generadores Simultáneos” with the Argentine noise maker Pablo Reche. What would you highlight about this album released on the Chilean label 001records?
“First, it is a collaborative work between several musicians, which as a process, goes beyond the release of music.
The conversations with Claudio Pérez (owner 001records and musician of Usted No) and Pablo Reche started before the recording (of the split). ‘Generadores Simultáneos’ is a proposal with a different sound from what had been previously released on the label, which gives the catalog a more wide spectrum.
For my part I wrote the pieces for the album taking as reference of Pablo’s work that I knew up to that moment.
I started listening to his work in 2004, since in February of that year we met at the Patagonia Festival, organized by Rodrigo Planella and his team in Coyhaique (Chile), an event in which Claudio also played. Pablo couldn’t play in this festival due to technical reasons, so later, out of curiosity, I began to search the networks for what was available at that time.
Already in 2017 I was lucky to share the bill with Mika Martini, Luis Marte, Johannes Haase and Pablo. There I was able to get to know better what he was doing. The first of those concerts came out on the live record called ‘Exploradores del Sonido’ which was published by the Greek Plus Timbre label in 2021.
I made my contribution to ‘Generadores Simultáneos’ thinking about what kind of dialogue could take place between the sound conceptions of each one. Once we delivered the material, Claudio Pérez defined the order of the tracks, combining the stillness of Pablo’s music with the stridency that I put on. Along with this, he designed the graphics for the album and Luis Marte made the videos that are part of this production.”
What is your opinion about free improvisation and more structured composition? What elements come into play in either case?
“I move in both fields. I don’t start improvising from scratch at concerts or when I record a song. There are ideas and structures that are generated in rehearsals, which take on a life of their own and become elements or parts that are combined in different sound structures. Something similar to the relationship between drawings and paintings and sculptures happens with this process. With the particularity that I generally do not make a record of the rehearsals. Here memory plays a very important role.”
Tell us about the noise/experimental scene in Quinta Región. What collectives or groups participate? What projections do you see in this scene?
“Right now, the Gran Valparaíso is the most important area for the generation of experimental music in Chile and probably in South America. This corresponds to an avant-garde tradition that comes from the port city since the early 20th Century, and that in a chaotic times like the one we are living in, is crystallizing in various forms.
There are many people making music, organizing concerts and festivals, as well as releasing new productions. Among them I can mention: Ratasordarec, Chercán Radio, Homeles-LoFi, Modular Label, Eunk, Acéfalo Festival, Tsonami, Sonec, Isabel Rosas’s Gallery, Taller de Teknología Libre workshop, Laboratorio de Arte Sonoro and many groups that are probably not on my list. I guess there must be other projects running underground, supported by younger people.
To all this we must add the broadcasting by Radio Valentín Letelier (based in Valparaíso, Chile), which has been a meeting point for local creators in the last two decades”.
What are your next steps in your music?
“The first thing is to continue studying the synthesis of sound and hopefully, play as much as possible and with the greatest variety of people.
There is a Pandemic recording that we made with Ignacio Morales (Chilean noise maker, aka Leonardo Ahumada and member of El Banco Mundial, Ensamble Majamama, Guorl Miusic, Midiset, Nawito Dúo), which is in the process of being saved and matured. It will probably come out soon.
In the mid 2023 I am going to start recording a new work, as calmly as possible and without worrying about where, when or how I am going to publish it.
What I just told you has to do with concrete and limited action plans.
If we talk about the steps in particular, we would have to go back to the issues of drawing and rehearsals, which are the moments of greatest chaos and unsettling times, where the new stuff really comes out.”
